EL SÉPTIMO CIELO

Hablemos de Jordan Belfort. Broker indómito. Extraordinario caradura. Una extensión amplificada del impostor Frank Abagnale Jr. que el propio Leo diCaprio en “Atrápame si puedes” y que, al lado de Belfort, es tan solo un mero aficionado. En realidad, Belfort está más cerca de Tony Montana (“Scarface”), Henry Hill (“Uno de los nuestros”) o Sam "Ace" Rothstein (“Casino”) pues comparte su origen modesto, su ascenso vertiginoso, sus métodos abiertamente ilícitos y una feroz asimilación del poder que se manifiesta en un desmadrado e indiscreto uso del dinero.

Es “El lobo de Wall Street” el enésimo relato americano de ascenso y caída de un personaje cuyos actos vienen impulsados por una obsesiva codicia por reunir ingentes cantidades de dólares, solo que a diferencia de los otros, sus movimientos nacen desde dentro del propio sistema norteamericano y no desde los bajos fondos. Esta vez, estamos ante una mafia sofisticada. De oficinas, tráfico de mercados e índices bursátiles. Exenta de manchas de sangre que no sean aquellas que brotan de la propia nariz. Y en esos terrenos, ya sean pantanosos u ostentosos, quien mejor se maneja es Martin Scorsese, experto en narrar con el vigor y la violencia que merecen las agitadas y excitantes vidas de aquellos que se mueven entre la abundancia y la legalidad.

No deja de ser sorprendente que a sus casi 72 años, Martin Scorsese, haya hecho su película más furiosa, salvaje y arrolladora. Su carrusel de monólogos cara a cara con el espectador, de aceleraciones y deceleraciones de cámara, imágenes congeladas, voces en off y lujuriosos planos secuencia la convierten en heredera directa de las citadas “Uno de los nuestros” y “Casino” más allá de sus amplias similitudes argumentales. Pero si cabe, “El lobo de Wall Street” es más colérica y frenética que aquel par de noventeras y modélicas cintas del género negro, puesto que Scorsese antepone la montaña rusa de excesos provocada por Belfort a sus métodos empleados para convertirse en un obsceno millonario (aunque se puede averiguar en ella las causas y culpables de la posterior crisis económica mundial).

Estamos pues ante el retrato avasallador de un potro desbocado que se baña en billetes, esnifa montañas de cocaína, proporciona barra libre de prostitutas a sus colegas y navega en yates prohibitivos. Un vividor para el que el mercado de valores es sólo el tablero de un juego y al cual sólo una película gigantesca e hiperbolizada en duración, ritmo e interpretaciones puede hacer justicia. Como hibrido del Elmer Gantry de “El fuego y la palabra” y del Gordon Gekko de “Wall Street”, este charlatán fraudulento y forrado de dóalres no sería tan absolutamente atractivo sin la colosal y entregada interpretación de Leonardo diCaprio, transmutado en un perfecto Jordan Belfort y tendente a la sobreactuación y al histrionismo, el cual rodeado de una idónea corte de súbditos (atención al gran papel de Jonah Hill) hace de “El lobo de Wall Street” un orgía sin precedentes en la gran pantalla.

Scorsese adora al personaje y a su condición de alimaña humana y el personaje brinda al director de Little Italy la posibilidad de llevar a su máxima el estilo y el talento tras las cámaras. Una mimetización de narrador-sujeto sin precedentes. Jamás hubo una película sobre el poder tan agresiva como esta. Jamás Scorsese se mostró tan intenso y desatado como con “El lobo de Wall Street”. Un septuagenario imparable con ganas, a estas alturas, de juerga máxima. Como las que todavía le quedan a Jordan Belfort después de consumir todo lo consumible.

Largos renglones se han escrito sobre la figura de Walter Elias Disney. Que si nació en Mojacar fruto de una noche de pasión de una lavandera del pueblo. Que si su nombre real es José Guirao Zamora. Que si tenía un diente de madera. Que si simpatizaba con los regímenes fascistas, despreciaba a las mujeres y ejercía de agente secreto anticomunista para el FBI. Mucha la mitología que circula alrededor del gran nombre de la historia de la animación, sin ir más lejos, su criogenización, que puede que nos lo devuelva el día que la ciencia acabe por evolucionar, pero toda sigue siendo hoy comentada desde la incertidumbre y la discreción por mucho que le pese a Meryl Streep.

La llegada de un biopic sobre el bueno de Disney podría habernos dado algo de luz acerca de su controvertida figura, sin embargo no cabía esperar un arrebato de valentía y verdad en “Al encuentro de Mr.Banks” ("Saving Mr.Banks"), película producida por la propia compañía Walt Disney y enmarcada en la tendencia poco reveladora y muy complaciente de biopics sobre grandes personajes del Hollywood clásico como Marilyn Monroe en “Mi semana con Marilyn” o Alfred Hitchcock en “Hitchcock”, títulos que abordaban tangencialmente las fuertes y controvertidas personalidades de estos mitos del cine, anteponiendo a ellos una figura externa que acaparaba inesperadamente el protagonismo de ambas cintas. Biopics de la persona detrás de la persona.

Por tanto, lo que significó el ayudante de dirección Colin Clark (Eddie Redmayne) en “Mi semana con Marilyn” o la abnegada esposa y colaboradora de Alfred Hitchcock, Alma Reville en “Hitchcock”, significa ahora en “Al encuentro de Mr.Banks” la escritora australiana P.L.Travers, creadora de Mary Poppins y testaruda a la hora de mantener intacta la integridad de su novela infantil frente a las ideas animadas de Walt Disney y su maquinaria de entretenimiento.

Estamos, pues, ante la historia de un duelo de obstinados, una guerra de intenciones que ejemplifica la eterna disputa entre productor y autor por la fidelidad de una adaptación y a la que Tom Hanks y Emma Thompson saben dotar de credibilidad y empatía convirtiendo, por momentos, a “Al encuentro de Mr.Banks” en una apreciable muestra de cine interpretativo, de reto actoral entre ambos actores por dar la réplica perfecta. La cinta de John Lee Hancock (“The Blind Side”) se enriquece de la fuerte presencia de ambos actores y en cada una de sus rivalidades la película crece en interés y en atractivo. Incluso Thompson (excelente e injustamente olvidada en los Oscar) consigue capturar la esencia de su personaje más allá de sus enfrentamientos con Hanks, en todas las secuencias en que su personaje, P.L.Travers, conecta/choca con los hermanos Sherman (Jason Schwartzman y B.L. Novak) responsables de himnos como el “Supercalifragilisticoespialidoso”, con el guionista Don DaGradi o con un modesto chofer que encarna con serena amabilidad Paul Giamatti, lo que convierte también a “Saving Mr.Banks” en un encantador y cinéfilo acercamiento al proceso creativo de una de las películas infantiles más importantes de la historia, “Mary Poppins”.

Es por eso que las frecuentes idas y venidas a la infancia de P.L.Travers en forma de flashbacks que exploran el porqué de su perseverancia a la hora de mantener intactos a los personajes de su novela en la adaptación cinematográfica, rompen el buen tono encontrado en el continúo tira y afloja entre Travers y Disney y ponen el riesgo todo el interés captado en el espectador, por mucho que Colin Farrell y Ruth Wilson se esfuercen en componer una pareja de principios de siglo llena de problemas económicos.

“Al encuentro de Mr.Banks” no despejará tus dudas sobre las diversas leyendas alrededor de Disney, puede que no sea todo lo rigurosa que debería ser con la creación de “Mary Poppins” (¿qué ha pasado con uno de los guionistas de la película, Bill Walsh?) ni que cuente toda la verdad sobre P.L.Travers (su lesbianismo, sus hijos adoptados), pero es innegable que, aún siendo sesgada, la película de la que se adueñan Hanks y Thompson supone un cautivador ejemplo de nostalgia y cinefília, con el que recordaremos lo mucho que nos sorprendió ver pinguinos bailando junto a Dick Van Dyke o como Walt Disney fumaba a escondidas en su oficina de Los Ángeles, en un anticipo de su fatal (y ¿criogenizado?) final.

Los Oscar están a la vuelta de la esquina y hay muchas dudas acerca de quienes se llevarán la estatuilla a casa. ¿Merece Di Caprio por fin el reconocimiento de la Academia?, ¿Es tan incontestable el Oscar para Cate Blanchett?, ¿Conseguirá Gravity imponerse en todos los premios técnicos?, ¿Logrará Jennifer Lawrence un segundo Oscar consecutivo?. Pronto desvelaremos todas las incognitas.

Porque nos gustan los Oscar os ofrecemos, de nuevo, quiniela de los Oscar creada por "El Séptimo Cielo", "Carne de videoclub" y "Nova Onda Radio". Queremos comprobar cuantos de vosotros tenéis dotes de pitonisos, así que rellenar vuestros favoritos y el máximo acertante ganará un pack de películas oscarizadas en DVD y una camiseta del podcast de cine de moda "Carne de Videoclub". Adelante amigos que es gratis!

Wert en su casa. En pijama, viendo la gala. Alegre de no haber asistido. No por los (bien merecidos) ataques frontales de la industria del cine hacía su persona sino por haberse ahorrado la que puede ser fácilmente considerada como una de las galas más anodinas y desafortunadas de su historia.

Anodina porque Manel Fuentes, como maestro de ceremonias, no encontró el humor, las maneras, el carisma o el tono en ningún momento de la noche a pesar de reconocer que en su monólogo inicial que estaba allí para “amenizar la fiesta”.

Desafortunada porque como plataforma publicitaria del cine español en prime time la gala provocó el efecto contrario, desaprovechando por enésima vez la oportunidad de mostrarse como una industria con todos los detalles cuidados al máximo y en condiciones de exigir mayor atención.

Números musicales repetitivos y desganados. Wert en boca de todos y como chiste fácil y recurrente desde apenas el minuto 1 de la gala. Presidentes de la Academia con apuntes traspapelados y discursos atropellados. In Memorians con fotos de profesionales que todavía no ha muerto. Brujas de “zugarraMUNDI”. Premios honoríficos convertidos en batallitas de burdeles. Realización televisiva vetusta e inexistencia de feedback del público con respecto a la ceremonia (si a la propia Academia como espectadora muestra desinterés por la gala, ¿a quién le va a interesar?).

Alex de la Iglesia fue, en su mandato, el único capaz de solicitar esa “autocrítica” tan necesaria al cine español antes de exigir responsabilidades ajenas pero el director vasco salió escaldado de la capitanía de una industria incapaz de reconocer sus errores.

En un año con la peor recaudación de los últimos tiempos, una cosecha de buenas pero no grandes películas, y abusos políticos por diversos frentes, lo que menos necesitaba el cine español era una gala de Premios Goya desidiosa como la de anoche. La sensación es que la industria de nuestro cine va a la deriva y que aparenta poco apetito y escaso animo por abandonar su inercia perdedora.

Un poco hastiados, pues, de empezar la crónica habitual de los Goya enumerando los males y/o errores de esta ceremonia (e inherentes al cine que representa) y cuya solución parece clara y a la vista y tiene nombre(s) y apellidos (Joaquín Reyes, Julián López, Ernesto Sevilla, Carlos Areces y Raúl Cimas) miremos única y exclusivamente a la razón de ser de los Goya, sus películas.

De entre sus 27 largometrajes de producción española nominados en esta 28 edición de los premios Goya, 2 fueron los grandes triunfadores de la noche, “Vivir es fácil con los ojos cerrados” de David Trueba y “Las brujas de Zugarramurdi” de Alex de la Iglesia.

La agradable y vitalista comedia del menor de los Trueba sobre el empeño de un profesor de inglés en los años 70 por conocer a John Lennon durante el rodaje de su película “Como gané la guerra” de Richard Lester en Almeria, lograba 6 Goyas incluyendo el de Mejor Película.

Nominado por primera vez en 1996 por el guión de “Los peores años de nuestra vida” y tras acumular 9 candidaturas sin recompensa (Alejandro Amenabar por “Tesis” le arrebató el Goya a Dirección Novel el año de “La buena vida” o Iciar Bollaín el de Mejor Dirección el año de “Soldados de Salamina”), David Trueba era por fin reconocido por la Academia con las dos primeras estatuillas de su carrera, Mejor Dirección y Mejor Guión Original, que él agradeció pronunciando los mejores discursos de la velada, animando y aumentando las dosis de inteligencia y sensatez de la gala.
Su mala racha truncada se hizo extensible a Javier Cámara, que desde que debutara en esto de las nominaciones en 1999 como actor revelación por “Torrente el brazo tonto de la ley” (el Goya se lo quitó, incomprensiblemente, el tal Miroslav Táborský por “La niña de tus ojos”) había reunido 6 nominaciones. Cámara, luminoso y eficaz, como siempre, por su papel de entusiasta maestro y fan de Los Beatles, conseguía un premio largamente acariciado en un año donde la interpretación de Antonio de la Torre por “Canibal” era “carne de premio”.

Del mismo modo, Natalia de Molina como Mejor Actriz revelación por delante de Olimpia Melinte (fabulosa en “Canibal”) o la escasamente novel, Belén López por “15 años y un día" (la preseleccionada española a los Oscar que se fue de vacío de los Goya). Además la banda sonora del guitarrista de jazz americano, Pat Metheny, era nombrada Mejor Música Original, internacionalizando las categorías musicales de esta edición donde otro norteamericano, Josh Rouse, ganaba el premio a la Mejor Canción Original por “La gran familia española”, película ésta que siendo la máxima nominada con 11 candidaturas se tenía que conformar únicamente con la estatuilla a la canción de Rouse y al trabajo secundario masculino de Roberto Álamo.

La otras grandes triunfadoras de los Goya fueron las brujas de Alex de la Iglesia, director que siempre suele cargarse de Goyas técnicos cuando sus películas entran en competición. Si uno echa un vistazo a las participaciones de Alex en los Goya encontrará 13 premios técnicos acumulados a los que habría que sumar los 8 conseguidos por “Las brujas de Zugarramurdi” que no tuvo rival alguna (“Zipi y Zape” y/o “Grand Piano” no se vieron respaldadas por las nominaciones) en categorías como Efectos Especiales, Sonido, Dirección de Producción o Montaje. Además Terele Pávez ganaba el Goya a Mejor Actriz Secundaria que bien valía como reconocimiento honorífico a toda una carrera profesional y a una vida de dificultades en lo personal y que la veterana actriz dedicaba visiblemente emocionada a su hijo.

Solo “Canibal” de Manuel Martín Cuenca tuvo la osadía de arrebatar un premio técnico a “Las brujas de Zugarramurdi”, el de Mejor Fotografía. Premio merecido pero insuficiente para una muy buena muestra de cine como es la fría cinta del asesino granadino.

La película triunfadora de los nuevos premios “Feroz” y, probablemente, el olvido más grave de estos Goya, “Stockholm” encontraba en el premio a Actor Revelación a Javier Pereira una manera de pedir perdón por parte de la Academia por la ausencia de la película de Rodrigo Sorogoyen en candidaturas mayores. El actor, que de novel no tiene nada, mantuvo el tipo durante toda la pregala, respondiendo con educación todas las veces que le preguntaron su pasado de niño de San Ildefonso que cantó un Gordo de Navidad.

Por su parte, Fernando Franco y Marian Álvarez ganaron dos de los premios más incontestables de esta edición, Mejor Dirección Revelación y Mejor Actriz por “La Herida”. Franco, montajista y nominado al Goya por el montaje de “Blancanieves” se va con un Goya y con la sensación de poder haber logrado algún premio mayor en la gala. Álvarez sigue la racha en los Goya de toda actriz premiada en el Festival de San Sebastián.

Un reparto de premios equilibrado y bastante respetable para una edición algo descafeinada de la que conviene hacer autocrítica para volver el año próximo con la lección aprendida de una vez por todas y con energías renovadas. Esperemos que así sea.

Entramos de lleno en el fin de semana de los Oscar donde son 3 las películas que están llamadas a disputarse la máxima estatuilla, la correcta y poco empática “12 años de esclavitud”, ese prodigio técnico llamado “Gravity” y ese sindios narrativo que es “La gran estafa americana”. Con menos opciones películas menores en presupuesto pero con más sensibilidad y genio como “Her” o “Nebraska” y obras colosales con un estilo desbordante como “El lobo de Wall Street”. Otras como “Dallas Buyers Club”, “Capitán Phillips” o “Philomena” completan el grupo de 9 candidatas rellenando los huecos libres desde que se amplió a más de 5 el número de competidoras en la categoría de Mejor Película.

“El Séptimo Cielo” os contará todo lo que vaya ocurriendo el próximo Domingo en el Dolby Theatre de Los Angeles a través de Novaonda Radio, acompañado del equipo integrante del podcast “Carne de Videoclub”. Empezamos a la 01:00 horas hasta que Ellen DeGeneres y compañía quieran.

Varios apuntes a tener en cuenta para la gala:

- Siempre que Alexander Payne ha competido en la categoría de Mejor Director, lo ha hecho contra Martin Scorsese.

- Alfonso Cuarón, es el segundo mexicano nominado al Oscar como Mejor Director, después de que Alejandro González Iñarritu compitiera por “Babel” en 2007. Sería el primer mexicano en lograr el Oscar.

- Bruce Dern y June Squibb, son los segundos nominados más veteranos en las categorías de Mejor Actor y Mejor Actriz de Reparto, respectivamente. Por delante de Dern (de 77 años) solo está Richard Farnsworth por “Una historia verdadera” (película con muchas similitudes con “Nebraska”), quien compitió en el años 2000 a la edad de 79 años. June Squibb tiene 84 años y solo es superada por los 87 años de Gloria Stuart cuando fue candidata por “Titanic” en al año 1998.

- Chiwetel Ejiofor, Matthew McConaughey, Sally Hawkins, June Squibb, Lupita Nyong´o, Jared Leto, Michael Fassbender y por supuesto Barkhad Abdi, que era chofer de limousinas en Minnesota antes de darle la réplica a Tom Hanks en “Capitan Phillips”, debutan en esto de las nominaciones al Oscar.

- Las hijas de Mandela estarán en la gala, lo que no quiere decir que “Ordinary Love” de U2 vaya a ganar.

- Kristen Bell, Jessica Biel, Jim Carrey, Glenn Close, Penélope Cruz, Benedict Cumberbatch, Daniel Day-Lewis, Robert De Niro, Harrison Ford, Andrew Garfield, Whoopi Goldberg, Joseph Gordon-Levitt, Goldie Hawn, Kate Hudson, Angelina Jolie, Ewan McGregor, Bill Murray, Kim Novak, Brad Pitt, Sidney Portier, Charlize Theron o John Travolta son algunos de los presentadores que desfilarán por el escenario del Dolby Theatre.

- Habrá número musical de Bette Midler, lo que nos devuelve a 1990.

- Los héroes del cine (no estrictamente superhéroes) será el leitmotiv de la gala

- De las 9 película nominadas, Gravity es la más taquillera (alrededor de 270 millones de dólares en EEUU) y la más cara (100 millones de dólares). “Dallas Buyers Club” con 9 millones de dólares de presupuesto es la menos costosa, mientras que “Nebraska” la que menos cifras ha recaudado (unos 17 millones de dólares).

- En el Gremio de Productores (PGA), premio que marca la película ganadora en los Oscar, se produjo un empate sin precedentes. “12 años de esclavitud” y “Gravity” compartieron el premio a la producción del año, cosa que no puede ocurrir en los Oscar desde que se instauró el voto preferencial en la categoría de Mejor Película.

- Para entendernos con el voto preferencial: Si fuésemos académicos y tuviésemos que votar, tendríamos una papeleta con los 9 candidatos a los cuales en lugar de marcar con una X nuestro elegido, tendríamos que puntuar del 1 al 9 según nuestras preferencias.Se haría recuento, la película que menos votos tenga se elimina y de todas aquellas papeletas en que ella había sido elegida como primera, se toma la película que fue votada en segundo lugar y se suman los votos a los que ya tenía. Así hasta que una película consiga el 50 + 1 de los votos. Es sencillo, ¿no?

- Solo ha habido 5 empates en la historia de los Oscar. El último el pasado año:

En 1949: Mejor Cortometraje Documental entre
"A Chance to Live" y "So Much for So Little".
En 1968: Mejor Actriz entre
Katharine Hepburn ("El león en invierno") y Barbra Streisand ("Funny Girl")
En 1986: Mejor Película Documental entre
"Artie Shaw: Time Is All You’ve Got" y "Down and Out in America"
En 1995: Mejor Corto de Acción Real entre
"Franz Kafka’s It’s a Wonderful Life" y "Trevor"
En 2012: Mejor Montaje de Sonido entre
"Skyfall" y "Zero Dark Thirty"

- Otra de las eternas dudas ¿En que se diferencia Mejor Mezcla de Sonido y Mejor Montaje de Sonido?. Digamos que la Mezcla de sonido es el resultado final en pantalla de todos los elementos de sonido de la película (efectos de sonido, música, voces, etc). Mejor Montaje de Sonido vendría la valoración de ser los efectos sonoros elaborados expresamente para la película.

- ¿Quién ganó en los famosos Gremios profesionales?. Ya hemos dicho que el de Productores lo compartieron “12 años de esclavitud” y “Gravity”. En el Gremio de Actores; McConaughey, Lupita, Blanchett y Leto ganaron en sus respectivas categorías, mientras que Mejor Reparto fue para “La gran estafa americana”. Alfonso Cuarón ganó el gremio de Directores. Spike Jonze por “Her” y Billy Ray por “Capitán Phillips” ganaron los de Guión. Emmanuel Lubezky fue premiado como Mejor Fotografia por “Gravity” y Jay Cassidy, Crispin Struthers y Alan Baumgarten por “La gran estafa americana” y Christopher Rouse por “Capitán Phillips” ganaron el sindicato de Montaje.

- La gran belleza puede conseguir el Oscar número 14 para Italia en la categoría de “Mejor Película de Habla No Inglesa” que el país transalpino no logra desde 1998 con “La vida es bella”. Dinamarca ganaría su 4º Oscar si lo lograse “La Caza”. En 2010 lo ganó por “En un mundo mejor”. Bélgica no tiene ningún Oscar hasta la fecha a pesar de sus 7 nominaciones. “Alabama Monroe” puede deshacer este vacío. Argelia ganó en 1969 por “Z” de Costa Gavras y con “Omar” puede conseguir su segundo Oscar. Por su parte, Camboya opta por primera vez a los Oscar gracias a “The Missing Picture”.

- 40.376.000 de espectadores fueron los que vieron la gala por televisión el pasado año. Ellen DeGeneres tiene la misión de superar esa cifra.

Aquí nuestras elecciones de lo que DESERIAMOS que ganase, no de lo que seguramente ganará.

Mejor Película: El lobo de Wall Street
Mejor Director: Alfonso Cuarón
Mejor Actor: Leonardo di Caprio
Mejor Actriz: Cate Blanchett
Mejor Actor Secundario: Jonah Hill
Mejor Actriz Secundaria: June Squibb
Mejor guión original: Her de Spike Jonze
Mejor guión adaptado: Terence Winter por El lobo de Wall Street
Mejor fotografía: Bruno delBonnel por A proposito de Llewyn Davis
Mejor banda sonora: Arcade Fire por Her
Mejor canción: The Moon Song de Her

A escasos días de la entrega de los premios Oscar, Ellen DeGeneres plancha su traje de chaqueta, Cate Blanchett hace hueco en la estantería de su salón y Robert Redford compra cerveza para ver la gala en casa. Mientras, nosotros pasamos a limpio los apuntes para un año más estar muy atentos a la ceremonia de entrega de los premios del cine por excelencia y así poder narrarlos con precisión y soltura, además de navegar por la red para encontrar la parte más creativa de estos premios. Aquí van unos cuantos ejemplos:

- Con "Lego, the movie" triunfando en las pantallas, las pequeñas figuras son utilizadas por el estudio británico Old Red Jalooy (muy recomendable la visita a su web) para recrear los carteles de las 9 películas nominadas de esta edición.

- La publicación "The New Yorker" dedica una portada ilustrada a los Oscar cada año. La de este 2014 la ha diseñado Barry Blitt y en la web de New Yorker el propio artista explica su significado. Hemos recopilado aquí otras de esas grandes portadas.

- Si los Lego tienen su propia versión de los carteles de las nominadas, la compañía Pixar no iba a ser menos. Todd Spence (@Todd_Spence) es quien ha rediseñado los carteles al estilo de la casa animada, tomando a sus personajes y convirtiendolos en protagonistas de las nominadas, de entre lo cuales tenemos un claro favorito, el bueno de Woody haciendo de Matthew McConaughey en "Dallas Buyers Club".

- Somos muy fans del trabajo del ilustrador de Manchester, Stanley Chow, el cual ha realizado 4 ilustraciones para la revista Entertainment Weekly con su particular estilo.

- Por último, igual que somos fans de Stanley Chow, también seguimos bastante el trabajo de Scott Lava, el cual, y como ya hiciese en años anteriores, dedica la semana de los Oscar a ilustrar las películas nominadas. Aquí van unos ejemplos.

- Por último, la compañía Cinefix junto a mom.me ha reinventado escenas de las películas nominadas con niños.Atención a la coña sobre "Philomena" y "12 años de esclavitud".

Enhorabuena a los premiados! Tanto a los que han llegado a lo más alto como a los que han tocado fondo. Gracias a todos por participar. Y suerte para la próxima edición.

Llevo toda mi vida alargando el brazo para hacerme una foto sin preocuparme de ponerle una etiqueta a esa acción, cuando resulta que ahora se llama hacer un “selfie” y está de moda.

Nunca le he hecho ascos a boicotear el posado de mis colegas apareciendo de la nada o poner un gesto graciosete que estropee la foto y parece que a eso ahora se le llama “photobomb” y también es tendencia.

Lo que no es tendencia es Liza Minelli y no había necesidad de ver a la actriz de Cabaret con un vestido sin ropa interior y convertida en algo parecido al muñeco de un ventrílocuo. Tampoco quería que se me cayese el mito de Kim Novak y el recuerdo onírico y salvaje de su presencia en “Vértigo”. Se puede envejecer pero nunca tendiendo hacía el estilo de Donatella Versace.

En realidad tampoco quería ver a Brad Pitt comer pizza en una gala de los Oscar porque ya engulle y mastica en todas y cada una de sus películas y a este paso voy a relacionar la imagen de Brad con una cuatro estaciones.

Por no hablar del reparto de premios, que ya me los sabía. Yo y todos vosotros. La Academia diciéndole a “Gravity” lo maravillosa que es pero quitándole el caramelo de la boca por si acaso le tachan de racista. Y dejadme que os diga una cosa, tener miedo de que te digan racista es precisamente ser racista.

¿Entendéis mi desconcierto?. No suelo tardar más del día posterior a la gala en escribir una crónica de lo ocurrido en los Oscar, pero este año he necesitado un par de días para procesar todo en mi cabeza porque he sido testigo de unos premios que, como siempre, han gozado una gala con una gran puesta en escena, algo extensa aunque bien realizada y orquestada pero que a la hora de la verdad se han mostrado indecisos entre avanzar y arriesgar o mantener su conservadurismo habitual. Y claro, ante tales dudas al final no es extraño que los Oscar acaben creyendo que hacerse una autofoto megaretuiteada lo acerca a las nuevas generaciones y que premiar a “12 años de esclavitud” redime a Hollywood por haber pintado a un blanco para hacer de negro en la primera película sonora de su historia.

Como ya han pasado un par de días desde la ceremonia, ya habréis visto que en el famoso y estelar selfie con Kevin Spacey, Meryl Streep, Brad Pitt o Bradley que el hermano de Lupita Nyong´o photobombeo sin pretenderlo. También habréis visto a Steve McQueen dando brincos en el escenario o la peluca vintage de John Travolta. Detalles por lo que se recordará esta edición de los Oscar pero que, al menos para mi, no harán olvidar que la Academia de Hollywood perdió este año la oportunidad de dar un paso al frente premiando por primera vez a una cinta de ciencia-ficción en la categoría de Mejor Película.

¿Quién recuerda hoy que en 1981 la película ganadora fue “Gente Corriente”? Si recordamos aquel año lo hacemos gracias a “Toro Salvaje” o “El hombre elefante” que perdieron frente a esta. ¿Acaso es más relevante para el séptimo arte “El discurso del Rey” que “La red social”?. Por supuesto ganó la primera frente a la segunda.

Se suponía que cuando Marty Mcfly marcaba en el Delorean el año 2014 viajaba a un futuro evolucionado y desarrollado. Pues si Marty hubiera aterrizado en el Dolby Theatre de Los Angeles la noche del 2 de Marzo de 2014 habría dudado del verdadero funcionamiento del invento de Doc.

Ahora que escribo estas líneas, caigo en la cuenta de que ese desconcierto es más enfado que desconcierto. Venga, va, no todo ha sido involutivo en esta edición de los Oscar. “Her” ha ganado Mejor Guión Original y Alfonso Cuarón por fin tiene el premio a Mejor Director que ya merecía por rodar aquella maravilla llamada “Hijos de los Hombres”. A Cate Blanchett nadie le ha tosido por su titánico papel en “Blue Jasmine” y “La gran belleza” tiene las suficientes dosis de genialidad y estilo como para no ser ignorada en la categoría de Mejor Película de Habla No Inglesa. Ah... y cuando Ellen DeGeneres hizo la misma broma de la foto en la ceremonia de 2008 con Clint Eastwood la colgó en su MySpace y no en Twitter. En algo sí que hemos avanzado, ¿no?.

Detalles de esta edición:

- Brad Pitt gana su primer Oscar tras 5 nominaciones. 3 como actor (“Moneyball”, “El curioso caso de Benjamin Button” y “12 monos”) y 2 como productor (“Moneyball” y “12 años de esclavitud”). El pasado año, otro actor, George Clooney hacía lo propio por “Argo”. - En el In Memoriam no hubo aplausos. Ni tampoco hubo rastro de Lou Reed, Sara Montiel, Denis Farina, Cory Monteith o James Avery (el tio Phill).

- “Nebraska”, “La gran estafa americana”, “Philomena” y “El lobo de Wall Street” se fueron de vacío. El pastel se lo repartieron entre “Gravity” (7 premios), “Dallas Buyers Club” (3 Oscars), “El gran Gastby” (2 estatuillas), “Frozen” (2 galardones) y “Blue Jasmine” (1 distinción). “12 Años de esclavitud” con 3 Oscar repite el número de premios de la ganadora de la última edición “Argo”.

- Es la 22 ocasión en los 86 años de los Oscar que Mejor Director no coincide con Mejor Película.

- Es la primera vez que Disney (sin Pixar) gana el Oscar a Mejor Película Animada.

- Alfonso Cuarón es el primer director latinoamericano que consigue el premio a Mejor Director

- Idina Menzel (“Adele Razim" para John Travolta) es la cantante con más gallos en directo en la historia de las actuaciones de los Oscar.

- Es la primera vez que los cuatro actores ganadores del Independent Spirit Award repiten triunfo en los Oscar.

- Catherine Martin subió 2 veces al escenario para recoger los Premios de Mejor Vestuario y Mejor Diseño de Producción por "El Gran Gatsby" repitiendo así la operación que ya hizo en 2002 al recoger sus 2 Oscar por "Moulin Rouge". Por cierto, su marido es Baz Luhrmann, el director de estas películas, que no tiene ni un solo Oscar.

- Salvo Cate Blanchett, todos los actores ganadores logran el Oscar en su primera nominación. Para Lupita Nyong´o es además su primer papel en el mundo del cine.

- Italia vuelve a llevarse el Oscar extranjero después del logrado por “La vida es bella” en 1998. Con 14 Oscar es el país con más estatuillas en esta categoría.

- Para saber quienes eran las mejores y peores vestidas no soy el más apropiado, pero si ladymaryan.

- Más de 43 millones de espectadores convierten a la gala en la más vista de los últimos 10 años de retransmisiones de la ceremonia.

Esta es la relación de los premiados en la edición 86 de los Oscar. Hasta el año que viene!.

Mejor película: “12 años de esclavitud”

Mejor director: Alfonso Cuarón por 'Gravity'

Mejor actor: Matthew McConaughey por 'Dallas Buyers Club'

Mejor actriz: Cate Blanchett por'Blue Jasmine'

Mejor actor de reparto: Jared Leto por'Dallas Buyers Club'

Mejor actriz de reparto: Lupita Nyong'o por '12 años de esclavitud'

Mejor película animada:'Frozen'

Mejor fotografía: Emmanuel Lubezki por'Gravity'

Mejor guión adaptado:'12 años de esclavitud'

Mejor guión original: 'Her'

Mejor diseño de vestuario: Catherine Martin por'El gran Gatsby'

Mejor documental:'20 Feet from Stardom'

Mejor cortometraje documental: 'The Lady in Number 6: How Music Saved My Life'

Mejor montaje: Alfonso Cuarón y Mark Sanger por 'Gravity'

Mejor película de habla no inglesa:'La gran belleza' (Italia)

Mejor maquillaje y peluquería:'Dallas Buyers Club'

Mejor banda sonora: Steven Price por'Gravity'

Mejor canción: 'Let It Go' de'Frozen'

Mejor diseño de producción:'El gran Gatsby'

Mejor cortometraje de animación: 'Mr. Hublot'

Mejor cortometraje de ficción:'Helium'

Mejor sonido: 'Gravity'

Mejor mezcla de sonido: 'Gravity'

Mejores efectos especiales: 'Gravity'

Estoy convencido que tras “Una vida en tres días” es posible instaurar definitivamente un nuevo subgénero, el de “películas con Kate Winslet en vestido camisero” o el de “películas con Kate Winslet de ama de casa con pelo churretoso”.

La sensación de “esta peli ya la he visto” cuando dan comienzo los primeros minutos del último trabajo de Jason Reitman ("Juno") es innegable; a la ganadora del Oscar por “El lector” la hemos visto haciendo sus labores del hogar de semejante guisa en numerosos títulos donde además ejerce de sufridora madre. El más evidente, “Revolutionary Road”, cinta melodramática con no pocos puntos en común con la cinta que nos ocupa.

“Una vida en tres días” nace de la mente de la escritora Joyce Maynard en el año 2009. La que fuera adolescente enamorada y compañera del ermitaño y mohíno autor de “El guardián entre el centeno”, J.D.Salinger, ideó la novela de la que parte la película de Reitman cumplidos los 50, en estado de divorcio y, según afirma, inspirada por el sueño de una noche calurosa. No nos extraña. El melodrama que narra “Labor Day” es, precisamente eso, el anhelo húmedo de un alma femenina necesitada de calor.

Más cercana a una novela rosa de Danielle Steel que a la anterior y reivindicable película de Reitman, “Young Adult”, “Una vida en 3 días” supone la inmersión del director norteamericano en un terreno inexplorado, menos audaz e inesperadamente trasnochado para alguien que ha utilizado el cinismo y el humor en obras como “Gracias por fumar” o “Up in the air”. La historia de un preso fugado de la carcel, insospechadamente dulce como un pastel de melocotón recién horneado, que secuestra a una madre incapaz de superar su reciente separación y a su hijo en pleno descubrimiento carnal, y que antes que salvar su pellejo prefiere arreglar las tuberías oxidadas de esta familia desestructurada, es inverosímil a todas luces y únicamente creíble a ojos de alguien que haya fantaseado con recibir la visita inesperada durante un fin de semana de un musculado, sudoroso y complaciente desconocido.

No hay nada malo en una historia de estas características. Mi abuela suele devorar muchas de estas cintas después de ver la predicción meteorológica de Antena 3. El asunto está en las ínfulas de “película más importante de lo que realmente es” que alberga “Una vida en tres días”, con ese halo de tragedia que sobrevuela todo el metraje, con esa entregada (y deseosa de nominación al Oscar) interpretación de una actriz de la altura de Kate Winslet en una decisión de casting demasiado evidente, esa voz en off, la música enfatizando el melodrama y esos flashbacks torpemente reveladores. Y con un Josh Brolin incapaz de encontrar el punto justo entre ex presidiario intimidatorio y amante sensible.

Solo la mirada de Reitman al periodo iniciático hacía el amor y el sexo del preadolescente en los últimos días de verano (el “labor day” americano que se celebra a principios de Septiembre) agitada por la irrupción del adorable fugado, logra contener ciertas dosis de verdad y tacto, aunque es una lástima que el propio director se encargue de estropearlo con una secuencia almibarada hasta la hiperglucemia que nos remite a los mejores trabajos en arcilla de la película “Ghost”.

Para estar así, mejor que Reitman deje los melocotones y vuelva a los cigarrillos y Winslet cuelgue el delantal.

Dejemos claros varios puntos por si los diferentes trailers y sinopsis hayan podido hacer creer lo contrario. Aunque su protagonista sea Saoirse Ronan, “Byzantium” no es “The Host”, para nada un intento de crear otra saga por y para adolescentes derivada de la mente de Stephanie Meyer. Por supuesto, tampoco guarda relación alguna con la saga “Crepúsculo” por mucho que comparta el vampirismo como base argumental de su historia.

Para entender correctamente lo que supone “Byzantium” es recomendable fijarnos en el hombre que está tras ella, el irlandés Neil Jordan, director de “Juego de lágrimas” o “Desayuno en Plutón” pero para lo que nos interesa, director también de “En compañía de lobos” o “Entrevista con el vampiro”, es decir, un realizador que ya se ha valido de personajes de fábula y universos fantásticos para crear historias donde el lirismo y las atmósferas sombrías daban la mano a las incertidumbres emocionales de sus (habitualmente adolescentes) protagonistas.

De este modo, cuando uno asiste a la proyección de “Byzantium”, será más fácil interpretar la desazón existencial de Saoirse Ronan, la cual encerrada en un cuerpo de 16 años se plantea si lidiar con la verdad, adaptarse definitivamente a la vida social contemporánea y superar de una vez por todas su sed de sangre fresca, sin esperar que sus comportamientos nazcan de los típicos caprichos colegiales de elegir entre un hombre lobo hipermúsculado o un vampiro caballeroso y mojigato. Porque efectivamente, aunque “Byzantium” altera ciertos elementos inherentes al género vampírico (pasear a la luz del día) como hiciese la saga de los Swan-Cullen, sus intenciones son bien diferentes estando más cercana a títulos como la sueca “Déjame Entrar” a la hora de situarse del lado aciago en lo que conlleva ser vampiro. O vampira, que es peor, ya que la cinta de Jordan persigue una carga añadida para sus protagonistas, vampiras en una raza de chupasangres masculinos, y mujeres solitarias buscando un lugar en un mundo con todavía muchas desigualdades por resolver.

Quizá es por eso que Jordan otorgue la profesión más antigua del mundo a su protectora madre protagonista (encarnada con sugerente sensualidad por la británica Gemma Arteton), con la cual pretende mantener a salvo a su joven y confundida hija de la marginalidad a la que les aboca su doble condición.

Película, por tanto, eminentemente femenina, llena de sutilezas y temores afectivos que inevitablemente desembocan en una violencia desatada de la que sus dos mujeres protagonistas no pueden escapar. Eso hace de “Byzantium” una película inquietante y algo difusa (de nuevo los dichosos flashbacks) pero, sin duda, de una belleza visual incontestable y cargada de sensibilidad poética, denominador común del cine de Neil Jordan cuando el realizador irlandés toma prestado a personajes de las mejores fábulas.

No existe el pueblo escondido entre montañas de Nebelsbad, como tampoco la república de Zubrowka a la que pertenece. Y por supuesto el Grand Hotel Budapest no es un majestuoso hotel alpino que podamos visitar y fotografiar. Ya nos gustaría.

Apenas transcurridos 5 minutos de la nueva película de Wes Anderson fantaseamos con la posibilidad de poder tener frente a nuestros ojos ese recóndito y fascinante rincón del planeta, ejemplo ficticio de una Europa imperial y asombroso tanto por su arquitectura como por su enclave geográfico y que Wes Anderson ha recreado valiéndose de unos de los trucos más antiguos del séptimo arte, las maquetas, inspiradas en el Grandhotel Pupp de Karlovy Vary, en la República Checa y rodando los interiores en diferentes emplazamientos del viejo continente como las abandonadas galerías comerciales Gorlitzer Warenhaus de Görlitz en Alemania o en el Corinthia Grand Hotel Royal Budapest en Hungría. Un impecable trabajo de localizaciones que unido a una dirección artística exquisita y una fuerte creatividad ejecutora como la de Anderson hacen que por apenas una hora y media de nuestras vidas experimentemos una de las grandes cualidades sensoriales por las que el cine merece la pena, la de trasportarnos por arte de magia a universos maravillosos.

Solo con su desbordante imaginación visual y su recreación de una Europa lujosa previa a la calamidad bélica, “El Gran Hotel Budapest” ya tiene mucho ganado. Pero lejos de ser otro de esos productos cuya plasticidad acaba dominando a su fondo argumental (circunstancia fácilmente achacable al cine de Wes Anderson), en esta ocasión, todo lo que hay tras la deslumbrante fachada de este hotel de los líos es emocionante y extraordinario. Su brillante alegoría de los últimos días de resplandor de la Europa Central. Su desfile de rostros familiares para el espectador que son un lúdico valor añadido para la cinta. Su inspiración cómica, a la que todos sus actores (cómicos en su mayoría) aportan su granito de arena (atención a Adrien Brody). Su naturaleza de fábula narrada en distintos tiempos (que sirve como homenaje al autor austriaco Stefan Zweig) que no hace ascos a su carácter más novelesco y aventurero (hay cárceles, trenes, investigaciones, intrigas, persecuciones, etc). Y, principalmente, el divertido y conmovedor dúo protagonista liderado por Ralph Fiennes como Mounsieur Gustav, el galante y refinado regente del Hotel Budapest (impecable trabajo del actor de "La Lista de Schindler") que encuentra en el debutante Tony Revolori un inesperado mozo de portería (Zero Moustafa) capaz de aportar una réplica a la altura, hacen de “El Gran Hotel Budapest” una de las más experiencias más arrolladoras, festivas, luminosas y completas del cine reciente con ,además, un buen catálogo de objetos para completar la iconografía pop de nuestro tiempo.

Porque ya no solo soñamos con alquilar una habitación del Gran Hotel Budapest, también nos gustaría poder degustar los pastelitos Mendl´s u olfatear el aroma de L´air de Panache. Merito todo ello de la mente revolucionada y singular de Wes Anderson.

Información de localizaciones extraida de Blogtelopia

Ni tú, ni yo, ni el más listo de la clase habría adivinado el enorme éxito de taquilla de “Ocho apellidos vascos”.

Camino de ser la película con mayor recaudación de la historia del cine de nuestro país, capaz de batir a estrenos norteamericanos de gran pirotecnia como “Capitán América, el soldado de invierno” o de proporciones bíblicas como “Noé”, o de lograr ella sola la mitad de todo el dinero acumulado en salas por la popular “Fiesta del Cine”, la modesta cinta de Emilio Martínez Lázaro es algo así como un acontecimiento inesperado pero bienvenido para el maltrecho cine español, y sobre la cual podemos analizar una y otra vez las posibles causas de su triunfo para sacar una única conclusión; hay películas que nacen con estrella y otras que nacen estrelladas. Sin embargo, reparemos en esas particularidades que nos harán entender algo mejor la gloria encontrada por la que ya es la película española del año.

Es cierto que en este país siempre hemos sido muy de cine de comedia, costumbrista a ser posible, y que, aparte de proyectos internacionales con el reclamo de grandes estrellas de Hollywood trabajando a las órdenes de directores españoles (“Los Otros”, “Lo imposible”), ha sido el género de la risa el que ha reunido a un importante número de espectadores en las salas españolas. Un terreno que Santiago Segura (tipo sabio él) lleva dominando casi con exclusividad desde que se estrenase "Torrente" en 1998.

El cine español lo sabe y no ha dejado de intentarlo cada año; “Tres bodas de más”, “¿Quién mató a Bambi?”, “La gran familia española”, “Las brujas de Zugarramurdi”, “Los amantes pasajeros”, “Promoción fantasma”, “Pagafantas”, “Que se mueran los feos”, “No controles”, “Holmes&Watson: Madrid Days” (perdón por el chiste fácil) o incluso en pequeños enredos localistas como “Bypass” (con alguna conexión con la cinta que nos ocupa). Títulos que cubren con la tradición española del cine de comedia (intentando incluir algo de renovación en ella), y que con desigual fortuna ha querido encontrar el respaldo masivo del consumidor español que históricamente ha apoyado al género. Su éxito podría haber sido el de “Ocho apellidos vascos”, aunque bien sea por factores externos (menor impacto de marketing, menor refuerzo del boca-boca) o por errores propios, no han logrado el beneplácito del espectador más allá de su primer fin de semana de estreno.

¿Es entonces "Ocho apellidos vascos" una comedia novedosa, única y rompedora de la que podríamos esperar la atención del público desde un primer momento?. En absoluto. Nos atreveríamos a decir que la película de Emilio Martínez Lazaro es, precisamente, todo lo contrario a una comedia con aires renovadores.
Su premisa argumental de contrastes y costumbres geográficas recuerda visiblemente a "Bienvenidos al Norte", que no por casualidad, es la película francesa más taquillera de la historia del país galo y a la que ni siquiera "Intocable" pudo destronar de su primer puesto. La cinta de Danny Boon ya extraía la comedia de las disparidades entre los habitantes del Norte-Sur francés con unas pizcas de enredo y líos matrimoniales. Semejante éxito hizo que Italia crease su propia versión, "Bienvenidos al Sur", bajando esta vez de Milán a Nápoles para reírse de la bribonería napolitana. Por supuesto fue la cinta italiana más taquillera de su año con más de 5 millones de espectadores.

España no ha elaborado un remake con derechos de aquellas, pero si ha hecho su propia y libre adaptación valiéndose de ese choque de culturas y costumbres tan arraigadas a vascos y andaluces, desde un punto de vista cercano al cliché, al tópico o al acento propio de las identidades de cada uno, y sin eludir temas políticamente espinosos a los ojos del espectador (terrorismo, nacionalismos, etc) con los que el cine español no se había atrevido a enfrentar desde la sorna y el chiste. Quizá esto último pueda ser lo más valorado por el espectador que está pagando su entrada para "Ocho apellidos vascos". Por mucho que "Vaya semanita" haya estado años creando afortunados chistes y sketches sobre el tema en cuestión, compartir risas en una sala de cine sobre la kale borroka ayuda a aliviar tensiones políticas acumuladas y a normalizar una situación que, de manera más o menos indirecta, afecta al español de a pié.

Según datos facilitados por Mediaset, otra de las grandes culpables del impacto inicial de la película gracias a su agresiva campaña de promoción, esta historia de abertzales y pijos sevillanos engominados ha supuesto un incremento de espectadores en ambas autonomías; en el País Vasco, suele cubrir el 5% de la recaudación de toda España, "Ocho apellidos vascos" ha obtenido el 13%. En Andalucía, que suma el 12 %, el porcentaje en taquilla ha sido del 16 %. Aunque solo sea por la mera curiosidad de ver su retrato en primera persona, vascos y andaluces suponen un incremento adicional de espectadores para la película.

Más allá de argumentos geográficos, "Ocho apellidos vascos" utiliza otra de las armas más antiguas y efectivas del género, el enredo. El lío amoroso, de malentendidos, con engaños, bodas y secundarios entrometidos. Algo tan viejo como Shakespeare o Lope de Vega. Y tremendamente popular, también, lo que significa una apuesta sobre seguro por parte del dúo guionista formado por Borja Cobeaga y Diego San José (responsables de "Vaya semanita" en diferentes periodos del programa) así como un terreno sobre el cuál su director, Emilio Martínez Lázaro, se mueve con gusto. El cineasta madrileño es especialista en convertir, con muy poco, pequeñas comedias en obras muy apreciadas por el público español. "Amo tu cama rica" (1991), "Los peores años de nuestra vida" (1994) (ambas con David Trueba en el guión) y sobre todo, "El otro lado de la cama" (2002) son ejemplos del buen ojo de Martinez Lázaro a la hora de reunirse con incipientes guionistas, llevar a cabo una correcta dirección de actores y lograr una gran aceptación en taquilla, disimulando su parca realización y puesta en escena en el género de comedia (desde aquí reivindicamos otros títulos de su carrera como "La voz de su amo").

Con semejantes factores, ¿cómo no pudimos entonces adivinar el taquillazo que supondría "Ocho apellidos vascos"?. La tendencia a focalizar en exceso los gustos y las corrientes de opinión y a descartar un abanico más amplio de espectadores puede que haya deteriorado nuestro olfato para detectar los éxitos de público. No le faltaba razón a Emilio Martínez Lázaro cuando afirmaba que su película gustaría a un público comprendido entre los 7 y los 70 años. Quizá la fórmula del triunfo de la película del sevillano gracioso y la vasca arísca esté en el llamado "target"; su admirable habilidad para ganarse la confianza del youtubero que ve monólogos de Dani Rovira, de la telespectadora que lo encuentra majete en "B&B", del señor que adora los chascarrillo y los chistes de leperos, de la amante de las películas románticas, del seguidor de "Aída" que echa de menos a Carmen Machi, de aquellos a los que les gustó "El mundo es nuestro", de los que confían en Cobeaga y San José tras "Vaya semanita" o simplemente del curioso al que cualquiera de los anteriores le ha confirmado que "Ocho apellidos vascos" es la película simpática y resultona de la que todos hablan.

Ya estaban tardando. Apenas un mes para el comienzo del rodaje oficial de la séptima y esperada entrega “Star Wars”, ahora bajo los mandos de la compañía Disney y de J.J.Abrams, y todavía no se conocía la nómina de actores que formarían parte del universo galáctico. Los rumores más insistentes eran los de la presencia del reparto original de la saga, Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Peter Mayhew, etc, que devolverían la esencia de la primera trilogía a las nuevas secuelas y que darían la continuidad argumental que deseabamos todos los fans de las películas de Lucas. Pero, aunque parecieran muy posibles, no eran más que eso, simples ruidos alrededor de una noticia que no llegaba .

Otros rumores como los de Michael Fassbender, Lupita Nyong´o, Jesse Plemmons, Maisie Richardson-Sellers o incluso Zac Efron surgieron en algún momento durante la gestación del proyecto, y puede que alguno de ellos acariciase el papel en diferentes fases del casting, mientras lo de otros era, simplemente, noticias inventadas para alimentar el ansía de novedades del cinéfilo.

Ahora, en una tarde de 29 de Abril y tras sucederse tweets y comentarios que adelantaban la confirmación del reparto, Disney hacía oficial lo que todos deseabamos, el casting oficial y (casi) definitivo de “Star Wars. Episodio VII”, donde veteranía, novedad, promesas y tradición se mezclan para la satisfacción generalizada del fandom “starwarsiano.

OSCAR ISAAC:

El actor de origen guatemalteco ha ido dando pasos sosegados pero firmes a lo largo de su carrera. Ha sido villano en diferentes ocasiones (“Robin Hood”, “Sucker Punch”) y ha trabajado en éxitos de crítica recientes como “Drive” o la estupenda “A propósito de Llewyn Davis” en la que demostró su talento como protagonista encarnando a un cantante folk del Greenwich Village de los 60. “Red de mentiras” o “Ágora” de Alejandro Amenabar son otros de sus trabajos de un actor incipiente y de sobrado talento que probablemente encarne a un heroe muy al estilo del Han Solo original. Un fichaje excelente.

ANDY SERKIS:

Se ha puesto en la piel de Gollum, King Kong, el simio Cesar de “El origen del planeta de los simios” o el Capitan Haddock de “Las aventuras de Tintín”, por lo que no sería raro pensar que volverá a encarnar a una criatura por medio de la “motion capture”, técnica en la que éste actor británico es el más completo especialista. Solo confiamos en que, en caso de ser así, la nueva criatura diste bastante de Jar Jar Binks.

DOMHALL GLEESON

Al hijo de Brendan Gleeson (“Escondidos en Brujas”, “The Guard”, “Gangs of New York”) un pelirrojo irlandés de pura cepa lo vimos por primera vez junto a Carey Mulligan o Keira Knightley figuró en “Nunca me abandones” aunque ya fuera el hermano mayor de Ron Weasley en “Harry Potter y las reliquias de la muerte” (partes 1 y 2). “Valor de ley, “Dredd”,“Anna Karenina” o en el primer episodio de la segunda temporada de “Black Mirror” como novio (vivo o revivido) de Haley Atwell fueron otros de sus trabajos antes de protagonizar la cinta romántica de Richard Curtis “Una cuestión de tiempo” que lo ha presentado al gran público. No está claro el papel que interpretará en la nueva entrega, aunque se habló de la posibilida de ser el hijo de Han y Leia. Esperaremos acontencimientos.

MAX VON SYDOW:

No hay entrega de “Star Wars” sin veterano contrastado y respetado que se precie. Desde Peter Cushing a Christopher Lee pasando por Alec Guinness. Max Von Sydow, a sus 85 añitos tiene pinta absoluta de comandante del Imperio, incluso de Sith o Jedi. Recientemente nominado al Oscar por “Tan fuerte, tan cerca”. Von Sydow es un mito viviente del cine; “El exorcista', Minority Report', 'Shutter Island', “Hannah y sus hermanas”, “El séptimo sello”, “Evasión o victoria”, “Flash Gordon”, “Nunca digas nunca jamás” o “Dune” dan fé de ello. Otro fichaje de altura.

PETER MAYHEW

Cuando los responsables del Comicpalooza Con, festival de comic que se celebra entre el 23 y 26 de Mayo en Texas, escribian un tweet el pasado 28 de marzo que rezaba “lamentamos comunicar que Peter Mayhew cancela su aparición en Comicpalooza este año debido a un rodaje”, las alarmas saltaron entre los fans de la saga. El actor detrás de Chewbacca volvería a meterse en la piel del wookie más famoso del mundo. Mayhew, que cumple 70 años en mayo pondrá sus 2,21 metros del altura al servicio del universo galáctico.

MARK HAMILL

A sus 62 años, Hamill volverá a experimentar lo que significa figurar en el reparto de un título de primer nivel. El bueno de Mark Hamill fue y será por siempre Luke Skywalker, sobre todo porqué jamás pudo desprenderse de ese rol y fue incapaz de encandenar otra película ajena a la saga que le desencasillase de su papel de Jedi, bien por su accidente de tráfico que cambió la expresión de su rostro, por su adicción a las drogas o por su escaso tino en la elección de proyectos (aunque figurase en “Uno Rojo: división de choque” de Sam Fuller). El caso es que Hamill, exclusivamente dedicado al doblaje de películas animadas, volverá a ser Luke Skywalker en pantalla para bien o para mal, pero especialmente para recocijo de los fans de la saga.

CARRIE FISHER

Al igual que la de su hermano en la ficción, la carrera de Carrie Fisher también se vió marcada por su papel en la saga de George Lucas así como por la incapacidad de la actriz por superar fuertes adicciones al alcohol y las drogas. En su caso además tuvo que lidiar con un trastorno bipolar, como recientemente confesó la propia actriz en una entrevista televisiva. Sin embargo, y a pesar de sus problemas, Fisher no dejó de intentar trascender a su papel de Leia, escribiendo y protagonizando títulos como "Postales desde el filo" o ejerciendo de secundaria en "Cuando Harry encontró a Sally", "No matarás al vecino" o "Hannah y sus hermanas". Fisher ha hecho pública su alegria por encarnar de nuevo al personaje con un tweet que rezaba "encantada de interpretar a una Leia vintage y artrítica"

Love being vintage Leia & arthritic Leia
Read more at http://www.entertainmentwise.com/news/148136/Star-Wars-Episode-VII-Carrie-Fisher-Loves-Being-Arthritic-Leia-While-Mark-Hamill-Is-Knocked-Out-By-Cast#oLaAGUL0LB4IteD3.99

HARRISON FORD

Según medios norteamericanos Han Solo tendrá un “protagonismo gigantesco” en esta nueva entrega. Y lo cierto es que eso es algo que le sentará de fábula al actor de 71 años que papeles secundarios en producciones para el gran público ("El juego de Ender", "Los Mercernarios 3", "Cowboys vs Aliens") con producciones menores no demasiado atinadas ("El precio del dinero", "Medidas extraordinarias"). Volver a ser Han Solo es, por tanto, una gran noticia para la carrera un tanto maltrecha de Ford. Aunque también lo era volver a ser "Indiana Jones" y algún palo que otro le cayó al retorno del arqueólogo aventurero.

JOHN BOYEGA

Se habla de Boyega como el gran protagonista de esta séptima entrega bien ejerciendo de Jedi a las órdenes de Luke Skywalker o incluso como hijo del propio Luke. A sus 22 añitos, el inglés Boyega ha destacado unicamente por un título, aclamado y de culto eso si, “Attack the block”, donde ejercía de pandillero londinense resistiendo ante una invasión alienígena. Antes de “Star Wars” encarnará al emblemático medallista Jesse Owens en “Race” de Stephen Hopkins y aparecerá de manera recurrente en la continuación de la serie de Jack Bauer, “24: Live another day”.

DAISY RIDLEY

Esta actriz británica de apenas 20 años y escasisimo bagaje cinematográfico es la gran sorpresa de casting de este episodio. Tendrá la responsabilidad y el honor de ser Jaina Solo, la hija de Han y Leia, a falta de conocer si encontrará la presencia de su hermano Jacen en este episodio o a lo largo de la nueva trilogía. Hasta el momento, algún cortometraje y apariciones en series británicas son su único curriculum. No era carne de IMDB y podía pasear por Londres completamente desapercibida, algo que ya no podrá experimentar más.

ADAM DRIVER

El villano de turno será Adam Driver, uno de los pocos nuevos fichajes de la saga de los que ya se conoce su rol. Con un físico peculiar, Driver tuvo un pequeño papel en “Lincoln” de Steven Spielberg, y en “J.Edgar” de Clint Eastwood pero sobre todo es conocido por su papel en la serie de Lena Dunham, “Girls”. Casualmente compartió plano y actuación musical (“Please Mr.Kennedy”) con otro de los fichajes de J.J.Abram, Oscar Isaac en “A propósito de Llewyn Davis”. Por si no fuera poco haber trabajado con Spielberg, Eastwood y los Coen, Driver trabajará también con Scorsese en “Silence”, el próximo proyecto del italoamericano. Además estará en “Midnight Special” del muy estimulante Jeff Nichols. Un rostro que pronto será recordado.

Hace un tiempo veía en televisión uno de esos programas que captan la idílica y maravillosa vida de los españoles que inundan el planeta. Concretamente era un “Madrileños por el mundo” en el que preguntaban a una española residente en Nueva York que era lo que más echaba de menos de su tierra natal. Cualquiera hubiera dicho un filete de jamón, el abrazo de una madre, las risas de los amigos, las cenas hasta la medianoche, la Ñ de los teclados o incluso, las películas dobladas, pero no, ella dijo: “el Zara, porque es mucho más barato que el de Nueva York”.

En las antípodas de ese retrato televisivo un tanto sesgado y clasista del emigrante español en el siglo XXI se encuentra “La vida inesperada” donde sus protagonistas lidian con la duda diaria de si merece la pena perseguir el llamado sueño americano o si es preferible volver al hogar materno en Logroño.

De la pluma de Elvira Lindo, habitual residente en la Gran Manzana, nace esta afable y un tanto agridulce crónica de (mal)vivir en el extranjero que devuelve al cine español a las calles de Manhattan como ya hiciera Fernando Colomo en 1983 con “La línea del cielo”. La autora de Manolito Gafotas conoce pues, de primera mano, la parte de Nueva York que se aleja de rascacielos, de los neones de Times Square o de las tiendas de lujo de la quinta avenida y sobre pequeños apartamentos sin ascensor y pluriempleos que no dan ni para el alquiler estructura su retrato agridulce de personajes, con un Javier Cámara que persigue su sueño teatral, una Carmen Ruiz que le acompaña en su cometido y un Raúl Arévalo que huye de sus responsabilidades adultas. Seres que andan más cerca del miserable hombrecillo que encarnó Jack Lemmon en "El Apartamento" que de muchos de los protagonistas de "Españoles por el mundo".

Es la irrupción del "Primo" Raúl Arévalo en Nueva York la que desencadena el desfilar de culpas y pasos adelante con guiños a Woody Allen o Miguel Mihura que contiene "La vida inesperada". Ese españolito supuestamente estable, formal y talentoso que destapa el tarro de los dilemas, los temores y la madurez, y que encuentra bajo el techo americano de su primo una valvula de escape a su toma de decisiones que no siempre tienen porqué coincidir con aquellas que en un primer momento decidimos. Mientras Lindo parece disfrutar narrando el pleno proceso de asumir realidades y aceptar cambios de sus diferentes personajes y Lucio Godoy y Federico Jusid se lucen con una preciosa partitura con la que George Gershwin estaría orgulloso, Jorge Torregrosa (infinitamente más apto aquí que en la inconsistente "Fin") parece entusiasmado con la posibilidad de rodar en las calles de Nueva York hasta el punto de permitirse un osado homenaje al puente de Queensboro filmado por Woody Allen en "Manhattan". En la emoción de todos los miembros del equipo por esta historia neoyorkina están las dosis de sentimientos y ternura que, por momentos, desprende "La vida inesperada".
Eficaz en el drama, es, sin embargo en su comedia donde este paseo americano pisa en falso. Ni las forzadas conversaciones materno-filiales por Skype ni las interacciones con los personajes norteamericanos (Tammy Blanchard, Sarah Sokolovic) funcionan. Más bien parecen interrupir la fluidez y ligereza que la narración llega a tener.

En ello influye la torpisima decisión de doblar al castellano todos aquellos momentos en que Cámara y compañia se relacionan (en inglés) con los neoyorkinos, algo capaz de sacar al espectador de la película y estropear el buen hacer de todo su plantel interpretativo. Visto así, casi es fácil comprender que alguie pueda echar mucho más de menos los competitivos precios españoles de Zara que los doblaje de películas al castellano.

“Los aviones son hermosos sueños” eso es lo que le dice el diseñador aeronautico Giovanni Caproni al joven Jiro Horikoshi, personajes reales sobre los que Hayao Miyazaki ha elaborado el que es su testamento fílmico, “El viento se levanta”, una obra que contiene la gran mayoría de constantes del cine del animador japonés y que guarda ciertos detalles que pueden hacer entender porqué el creador de “El viaje de Chihiro” o “El castillo ambulante” ha decidido culminar su filmografía con este título sobre obsesiones profesionales, anhelos, romances y memoria histórica japonesa.

Sin ir más lejos, Giovanni Caproni, aparición mentora y onírica del personaje protagonista fue un ingeniero italiano de principios del siglo XX que diseñó un avión llamado Ghibli, nombre también del mítico estudio de animación forjado por Miyazaki. Un coincidencia para nada casual, como tampoco que sea otra película sobre el peso del hombre en la guerra y la influencia indirecta de la naturaleza en ella, “Nauusica, el valle del viento” la primera obra del realizador japonés en el citado Studio Ghibli.

Miyazaki, cuyo padre era director de la Miyazaki Airplane, compañía aeronáutica que fue contratada durante la Segunda Guerra Mundial para construir parte del avión de combate conocido como “Zero” ha hecho con "El viento se levanta" una cinta casi autobiográfica, recurriendo a su recuerdo más básico, a sus intereses más esenciales y eligiendo a la figura Jiro Horikoshi como alter ego para elaborar un tratado sobre los sueños alcanzados y sus consecuencias directas. Un personaje tan noble, naif y soñador como muchos de los protagonistas del cine de Miyazaki y a cuyo alrededor se reune la nostalgia de una época histórica, el melodrama agridulce de un amor imposible, el realismo mágico y una fuerte presencia de la naturaleza así como el mensaje antimilitarista, esta vez algo menos frontal que de costumbre.

La belleza de las imágenes que no eluden la imaginación fantástica del japonés (aún siendo esta su cinta más realista), acompañadas de la maravillosa música de su inseparable Joe Hisaishi, hacen de “El viento se levanta” una película tremendamente emocionante e incluso triste para un Miyazaki que se despide con esta sintesis casi biográfica de su cine queriendo cerrar el círculo y permitiendose apuntar por última vez todo su credo personal para un mundo próspero y feliz.

AL FILO DEL MAÑANA – 30 mayo

Como si tras “Oblivion”, Tom Cruise le hubiese cogido el gustillo a la ciencia-ficción, el cienciologo actor se embarca en otro proyecto visualmente espectacular y de idea sugerente, la de luchar en un futuro lejano del lado de la raza humana frente a una invasión extraterrestre, pero no una vez, sino muchas, puesto que Cruise repetirá una y otra vez ese mismo día de batalla como si del Bill Murray de “Atrapado en el tiempo” se tratase. Emily Blunt le acompaña en esta superproduccion que dirige para Warner Bros, Doug Liman, el responsable de “El caso Bourne” o “Jumper”.

MALEFICA – 30 de Mayo

Esta vez la bruja es la protagonista del cuento. Será porque el magnetismo de Angelina Jolie es muy grande y porque ella, una de las actrices más populares de Hollywood necesitaba desde hacía unos años un proyecto que calase entre el gran publico. El caso es que en Maléfica, la bruja que hechizó a La Bella Durmiendo es quien lleva la voz cantante frente a la propia y dulce princesa o al galán de turno, que en este caso encarnan los adolescentes Elle Fanning y Brenton Thwaites. Más en la linea de Blancanieves y la leyenda del cazador que de otros acercamientos al cuento, con Malefica, Disney se aproxima a la conocida fabula desde la oscuridad y el espectaculo veraniego.

X-MEN. DIAS DEL FUTURO PASADO – 6 de Junio

Magneto y a Charles Xavier (Ian McKellen y Patrick Stewart) envian al Lobezno encarnado por Hugh Jackman al pasado, para conseguir que sus yos de aquellos tiempos (Michael Fassbender y Ian McAvoy) no comentan los mismos errores que ellos ya cometieron. Con este argumento, Bryan Singer, director de las dos primeras entregas de estos superheroes consigue aunar un reparto estelar formado por los actores de la primera saga de los X-Men y los actores del reinicio de la saga, es decir, Hugh Jackman, Jennifer Lawrence, James McAvoy, Michael Fassbender, Ian McKellen, Patrick Stewart, Ellen Page, Omar Sy (Intocable), Peter Dinklage (Tyrion Lannister) o Halle Berry, entre otros muchos. Y claro, los fans de la saga, estarán encantados ante tal reunion de estrellas.

TRASCENDENCE – 20 de Junio

Trascendence es el debut en la dirección de Wally Pfister, el habitual director de fotografia de Christopher Nolan. Es por eso, que esta cinta de ciencia-ficción debe mucho visualmente al universo de Nolan, el cual ha asesorado a Pfister para su primer trabajo en solitario. Johnny Depp es el protagonista de esta historia en la que un cientifico tras ser tiroteado experimenta el trasvase de su consciencia a la tecnólogica para poner en peligro toda la existencia humana. Además de Depp, completa el reparto de esta ambiciosa propuesta, Rebecca Hall, Paul Bettany, Cillian Murphy, Morgan Freeman y Kate Mara.

MIL MANERAS DE MORDER EL POLVO – 4 de Julio

El creador de Padre de familia y presentador de los Oscar hace un par de ediciones, Seth McFarlene, vuelve a dirigir, y esta vez tb protagonizar. Lo hace con Mil Maneras de Morder el polvo, otra comedia con un punto irreverente y absurda ambientada, esta vez, en el lejano oeste. La historia de amor entre un modesto granjero y la mujer de un peligroso forajido. Al lado de McFarlane, están nada mas y nada menos que Charlize Theron, Liam Nesson, Amanda Seyfried o Neil Patrick Harris, más conocido como Barney Stinson.

OPEN WINDOWS – 4 de Julio

Propuesta revolucionaria y novedosa la que propone Nacho Vigalondo con su tercera película, tras Los Cronocrimenes y Extraterrestre. En Open Windows, será una estructura de pantallas, de programas informáticos, de webcams, a modo de found footage a tiempo real el que narre a ojos del espectador el secuestro de una actriz por parte de un tipo que llena de pistas la red para desesperación de Elijah Wood. La exactriz porno Sasha Grey y el actor visto en la serie Utopia, Neil Maskell completan el trio de protagonistas para el thriller tecnológico más tecnológico de la historia del cine.

EL AMANECER DEL PLANETA DE LOS SIMIOS – 18 de Julio

Diez años después de los hechos que vimos en la estimable El origen del planeta de los simios, continua la lucha por dominar la tierra entre hombre y simios, estos últimos liderados por Cesar, al que encarna de nuevo el actor Andy Serkis. Keri Russell a la que vemos en la serie The Americans, Gary Oldman y Judy Greer protagonizan esta secuela que continua la tradición de saga de esta mítica batalla que empezase un buen día Charlton Heston y compañía. Dirige Matt Revees, el director de Monstruoso o del remake de la sueca Déjame entrar.

INFILTRADOS EN LA UNIVERSIDAD – 25 de Julio

Los agentes Jenko y Schmidt vuelven a la carga visto el éxito de la primera entrega, Infiltrados en clase. Ahora, para hacerse pasar por alumnos de universidad con el fin de cazar a un narcotraficante que distribuye una nueva y poderosa droga. Como no, Channing Tatum y Jonah Hill repiten en sus papeles intentando repetir la buena acogida de la anterior cinta, una de las comedias más aclamadas de hace un par de temporadas.

COMO ENTRENAR A TU DRAGON 2 – 1 de Agosto

En un verano huerfano de nueva película Pixar, es Dreamworks y una de sus franquicias mejor consideradas, la que toma el mando de la animación veraniega con la secuela de Como entrenar a tu dragon la cual ha visto crecer a los jovenes protagonistas de la entrega anterior en unos tiempos pacíficos entre vikingos y dragones. Pero no todo iba a ser plácido y tranquilo. La presencia de un nuevo tipo de dragón y un oscuro señor que los controla hará que la lucha vuelva a desatarse.

JUPITER ASCENDING – 1 de Agosto (CANCELADO HASTA FEBRERO DEL 2015)

Hacía tiempo que los hermanos Wachowski no dirigian una historia propia. Precisamente desde su primer éxito, Matrix. Ahora vuelven a hacerlo con una ilusión fantástica que protagoniza la joven Jupiter Jones, encarnada por Mila Kunis, la cual es elegida como la sucesora de la cadena que da equilibrio al universo, y por tanto deberá ser protegida de la amenaza de asesinato por un cazador ex militar genéticamente modificado que aterriza en la Tierra. Chaning Tatum, Eddie Redmayne, Sean Bean completan el reparto de esta propuesta ambiciosa que puede ser todo un éxito o todo un descalabro.

TRANSFORMERS, LA ERA DE LA EXTINCION – 8 de Agosto

En 2011, Micahel Bay dirigió hasta ahora la tercera y última entrega de la saga de los robots transformers, anunciando poco después que abandonaba la saga. No duró mucho esa intención puesto que Bay está de nuevo al frente de la cuarta entrega de la franquicia, cambiando, eso si, a todos los miembros del reparto. Ya no están ni Shia Laboeuf, ni por supuesto, Megan Fox, pero si Mark Walhberg y la joven Nicola Peltz, a la que hemos visto en la serie Bates Motel, para de nuevo luchar por la supervivencia de la Tierra, a lado de los conocidos robots gigantes. Junto a ellos, tb figuran Stanley Tucci o Kelsey Grammer.

GUARDIANES DE LA GALAXIA – 14 de Agosto

Como Marvel está de dulce, no duda en adaptar a la gran pantalla nuevo héroes que hagan las delicias de un público muy decidido a disfrutar con los films de esta compañía. Este caso son cinco atípicos heroes conocidos como Los Guardianes de la Galaxia, un grupo formado por Star-Lord (Chris Pratt) Drax (Dave Bautista), Gamora (Zoe Saldaña), Rocket Raccoon (un mapache al que pone voz en su version original Bradley Cooper) y Groot (un arbol andante al que dobla Vin Diesel), que tendrán que captura al villano encarnado por Lee Pace. Una apuesta más irreverente de lo habitual dirigida por James Gunn (el director de otra singular cinta de superheroes, Super) y con un reparto de secundarios en los que están Benicio del Toro, John C.Reilly, Glenn Close, Michael Rooker o Djimon Hounsou.

LOS MERCENARIOS 3 – 15 de Agosto

A pocos superhombres de acción se echan en falta en la tercera entrega de esta ya franquicia de acción y bélica creada por Silvester Stallone. Puro espectáculo con regusto ochentero en el que ahora, además de Stallone, Schwarzenegger, Lundgren o Statham, también están Mel Gibson, Harrison Ford, Antonio Banderas o Wesley Snipes. El argumento es lo de menos, acomodense y disfruten de este desfile de tipos duros.

LUCY – 22 de Agosto

Luc Besson, amante de los golpes contundentes y la acción más retorcida convierte ahora a Scarlett Johannson en Lucy una chica que por accidente acaba poseyendo unos poderes psiquicos y fuerza especiales necesarios para defenderse de los traficantes y malhechores del mundo de la droga en que se encuentra inmerse. O lo que es lo mismo Scarlett como heroína de acción y maquina de matar. Junto a ella, Morgan Freeman.

JERSEY BOYS – 5 de Septiembre

La nueva cinta de Clint Eastwood es la adaptación a la gran pantalla de uno de los musicales de más éxito de Broadway, Jersey Boys, que cuenta la historia de Frankie Valli y su banda, 'Four Seasons'. Un personaje, el de Valli con sobrado talento para la música pero polémico por sus relaciones con la mafia. John Lloyd Young, Eric Bergen, Vicent Piazza y Michael Lomenda son los miembros del grupo, mismos actores que en el musical neoyorkino, que están acompañados de Christopher Walken. Veremos como se desenvuelve Eastwood en el primer musical estricto de toda su carrera.

Los chavales de “American Pie” acuñaron aquel término conocido como MQMF que situaba a la madre de Stifler como objeto del deseo sexual de los protagonistas de aquel revival actualizado del cine universitario setentero. En “Dos madres perfectas”, bien podría acuñarse un nuevo término que se situaría en las antípodas de aquel, HQMF, donde jovenes adolescentes y musculados serían el objetivo carnal de dos madres que comparten amistad desde la infancia y ahora también hijos.

“Dos madres perfectas” podría ser un título polémico por lo que su cruce sexual implica, sin embargo pareciendo algo más parecido a un anuncio de Dolce Gabbana o a las juergas felices de los anuncios de estrella damn, jovenes surfeando, rubias maduritas paseando por la orilla de la playa, casas idílicas y vasos de vino tinto en cenas al aire libre. Un arranque algo frívolo que no augura demasiado atrevimiento ni provocación en el posterior devenir de los hechos, en los que las relaciones cuasi incestuales de esta pareja de amigas permitian generar un poderoso melodrama de conflictos morales y emocionales.

Como historia eminentemente femenina “Adore” (como así se títula originalmente) es la adaptación de una novela corta de la ganadora del Premio Nobel, Doris Lessing, dirigida por una realizadora francesa , Anne Fontaine, cuyo cine ha estado marcado por el protagonismo de la mujer (“Cocó Channel, de la rebeldía a la leyenda”, “Chloe”) y producida por otra mujer, Naomi Watts también dominadora junto a una enorme Robin Wright Penn del protagonismo y la mirada de esta narración. Ellas sufren, disfrutan, callan, deciden y se equivocan en cada uno de sus movimientos impregnando de verdad a sus actuaciones, las cuales se situan muy por encima de las de sus alter egos masculinos (Xavier Samuel y James Frecheville), en cuyo enfoque está el gran punto débil de esta cinta. Los actos y las interpretaciones de los dos agitados vástagos de las protagonistas rompen con el drama, naturalidad, y reivindicación del poder de decisión femenino que aportan la pareja de rubias actrices a la historia original, convirtiendo a “Dos madres perfectas” en un cúmulo de caprichos sexuales que apenas esboza un par de reflexiones sobre los límites del deseo y el elogio de la carnalidad femenina en su madurez.

Quizá por su indefinición a la hora de mostrarse más osada y explicita alimentado así la controversía de una historia de sexo socialmente impúdico haya sido relegada a un segundo plano en los estrenos cinematográficos del año, llegando más de año y medio tarde a las carteleras de nuestro país. Incapaz incluso de instaurar un nuevo término donde proclames en una sola palabra tu amor por el hijo de tu amiga.

En nuestro recuerdo estaba la clásica Maléfica, villana por excelencia del universo Disney como un ser caprichoso y vil, enojada simplemente por no haber sido invitada al bautismo de la nueva hija de los Reyes. Semejante enfado bien valía un hechizo fatal que solo la buena fe de una de las pequeñas y bondadosas hadas pudo contrarrestar con la posibilidad de un beso feliz.

Ahora Disney, adaptandose a los nuevos tiempos, rehace el cuento y busca explicaciones a las motivaciones perversas de la cornuda hada mágica, alterando el concepto de maldad y bondad en todos los personajes del cuento tradicional. Maléfica abandona su condición de villana de manual para ser ahora victima y a la vez verdugo, castigadora y al tiempo tierna tutora de la joven y bella Aurora. Un ser oscuro por fuera pero también luminoso por dentro que se mueve por amor (o mejor dicho por desamor).

Así que por muy lúgubre que pueda lucir en apariencia, “Maléfica” no es sino una amable, y bondadosa versión del cuento, dirigida expresamente a un público infantil y juvenil, mayoritariamente femenino y en el que Angelina Jolie domina la función de principio a fin, con un personaje al que ella entrega su fuerte presencia y su imponente rostro interpretativo y del que recibe una aproximación decorosa y respetable a la altura de la que es una actriz de primera talla mundial y personaje público humanitario y ejemplar. Vamos, que más que ante Maléfica estamos ante Benéfica.

Alterados pues los mensajes originales del cuento, uno puede sentirse desorientado o encantado según sea su concepto sobre la historia original, teniendo que resetear su idea de cuento de hadas inocente y viriginal y/o interiorizar de una vez por todas que tras “Alicia en el país de las maravillas” o “Blancanieves y la leyenda del cazador” los cuentos que conocimos están abiertos y dispuestos a todo tipo de modificaciones argumentales además de propensos a ver recargados sus propios universos hasta aproximarse a la ostentación de las tres dimensiones.

Y es que estamos ante la era “Frozen”, donde las princesas ya no son perfectas, los principes son unos mindundis que ni pinchan ni cortan, los villanos del cuento se adueñan de las historias y el amor verdadero no están en un enamoramiento a primera vista sino en las relaciones fraternales y/o filiales. Corren nuevos tiempos para los cuentos de hadas. Ya no hay perdices, ni tampoco todos son completamente felices. Adios a la mágia, bienvenidos al mundo real.

Empezad a admitirlo. A todos os gustó “Once”. A algunos más que a otros, es cierto, pero a todos os gustó. Bien porque sus canciones se agarraban al oido, por el buenrrollismo que destilaba, porque era una película hecha con cuatro duros y mucha voluntad, y está feo declararse en contra de las pelis que son muy pobres, porque os enamorasteis de lo vulnerable que era la rumanita protagonista o porque todavía sentís que esta película la descubristeis y recomendasteis antes que nadie y cuando empezó a cosechar premios creísteis aquel descubrimiento como un logro personal.

El caso es que os gustó “Once”, y si os gustó “Once” ahora os gustará “Begin Again”, que es la misma película pero con dinero. Si la rechazais es porque en ocasiones se regodea en su condición de película acomodada, con personajes cool de esos que beben copas de vino, caprichos de gran producción (ahora meto un cameo de CeeLo Green por aquí, product placemente de Apple hasta en la sopa) o particularmente porque os ponen nerviosos los tics gestuales de Keira Knightley (antes que tuenti ella inventó lo de poner morritos). Pero en el fondo, también amais a “Begin Again” y su eficaz condición de cinta optimista y enternecedora para una velada de Agosto.Lo mismo que sentisteis hace 8 años con la callejera película irlandesa en la que triunfaba la música por encima de todo.

John Carney, bajista antes que director de cine, ha dado el salto a Hollywood para realizar una especie de “cuasi-remake” de la cinta que le dio la gloria para gozo de Harvey Weinstein. En lugar de una frágil rumanita tenemos a la buena de Knightley mostrando sus dotes para la canción, en lugar de Glen Hansard tenemos a Mark Ruffalo como tipo inmerso en plena crisis vital, Nueva York por Dublín y una discográfica con oficinas de decoración nórdica frente a la antigua tienda de instrumentos de “Once”.

Cambia el envoltorio pero no las intenciones; la íntima historia de dos personajes solitarios y vencidos, la música como nexo de unión y medio de superación personal, el desamor, el afecto por encima del amor. Y positividad. Mucha positividad. Y canciones. Muchas canciones. Porque aunque haya algo de innegable impostura en su apariencia, “Begin Again” cuenta con la sensibilidad intacta de su director a la hora de retratar la energía contagiosa de sus protagonistas, su entusiasmo por componer y crear temas musicales, su condicion de fábula sobre las segundas oportunidades, buena química entre la pareja Knightley y Ruffalo y un encantador manejo de los secundarios en la tradición de la mejor comedia romántica británica (James Corden y un paródico Adam Levine, lider de “Maroon 5”). Y en su esencia está el éxito de esta fórmula, de esta nueva manera de afrontar el género músical que con “Once” fue incluso capaz de llegar a las carteleras de Broadway.

Solo la etílica secuencia en la que Ruffalo imagina los arreglos de la canción que solitariamente intrepreta Keira bien vale la entrada de esta película que en su arranque encadena con inteligencia y frescura los flashbacks de presentación de sus personajes para que nos encariñemos de ellos y ya no los abandonemos en el resto del metraje. Su espíritu contagioso funciona y uno sale del cine encantado con la experiencia. “Begin Again” te alegrará el día.

Toda la vida alucinando con el valor añadido de las atmósferas pegajosas y perturbadoras de aquellos thrillers ambientados en Louisiana y el Mississipi y resulta que aquí teníamos las marísmas andaluzas inéditas, tan o más capaces de sembrar el desasosiego en el espectador sólo con su geografía húmeda, sofocante y salvaje.

Nadie hasta la fecha había reparado en este paraje español claramente profundo como entorno catalizador del mal rollo inherente a una historia noir de crímenes y perversión. Nadie hasta Alberto Rodriguez, sevillano de cuna, que ya con su título anterior, “Grupo 7”, practicó el thriller policiaco conforme a un contexto histórico y político agitado y a un enclave (la Sevilla delictiva prevía a la Expo-92) que proporcionaba multiples posibilidades argumentales y visuales. Una urbe en plena construcción, necesitada de un lavado de cara y una desinfección del narcotráfico existente. Los tejados sevillanos como pasarela para persecuciones a lo Paul Greengrassen en plano secuencia y el inevitable fantasma de la dictadura presente en los métodos policiales, en la relación entre las diferentes generaciones de los agentes protagonistas, en las sombras de un sistema todavía contaminado.

Aquella película, nominada a 16 Goyas, apuntó las excelentes maneras de Rodríguez para el género, y su gran capacidad para manejar diferentes elementos narrativos y técnicos (prólogo documental, cámara en mano, etc) que enriqueciesen el relato negro escrito por Rafael Cobos.

El propio Cobos y Rodríguez han sabido conservar los numerosos aciertos de la citada “Grupo 7” para contar ahora una investigación criminal en “La isla mínima” película impregnada y dominada por un poderosa atmósfera, presente desde bien comenzada la cinta con unos alucinantes planos cenitales de las marismas andaluzas.
Comprendemos pronto que Alberto Rodríguez pretende trasladarnos a aguas pantanosas. Las propias del río Guadalquivir y, también, las relacionadas con la opresiva y viciada comunidad profunda andaluza de 1980, dominada por capataces, señoritos, falsas ilusiones adolescentes de futuro, cortijos, machismo y analfabetismo.

Ambos, marcos propicios para hacer de un doble asesinato algo todavía más repugnante e incomodo para el espectador de lo que ya se supone, y de su investigación pertinente, una labor aún más peligrosa para quien la lleva a cabo.

Y quien la lleva a cabo son dos afectados policías madrileños (el policía fuera de su habitat, otro elemento común del género), sobre los que existe una fuerte brecha generacional que los distancia en ideales y procedimientos. Impresionantes y con gran química en pantalla, por cierto, Rául Arévalo y Javier Gutierrez (ganador de la Concha de Plata en San Sebastián) obligados a convivir, fríos entre sí y con un pasado por revelar que enriquece el contexto sociopolítico de aquel año 1980 en la que la Transición todavía peleaba con la losa franquista.

Sobre los hombros de la dupla formada por Arévalo y Gutierrez recae todo el peso de la cinta. Sus pasos en falso, interrogatorios y pesquisas los van enfrentando a los estratos de esa sociedad encallada y malsana. A personajes cargados de secretos y/o interrogantes. A lugares recónditos de la Andalucía más rural y adulterada. Y con ellos un relato policial apasionante y sugerente, lleno de matices, capaz de establecerse como una buena crónica negra de la época y con excelente pulso narrativo en la dirección de Rodríguez, el cual se permite ofrecer un par de persecuciones dignas del mejor autor del género.

Como un parto de gemelos, la casualidad ha querido que "La isla mínima" haya aparecido cuando todavía resuenan los ecos del estreno de la primera temporada de la serie televisiva "True Detective", algo que provocará que la cinta española pueda ser juzgada (injustamente) desde la comparación con la serie de Nic Pizzolatto (con la cual es innegable que comparte abundantes similitudes) y no por sus méritos individuales. Y es que, el propio cine y literatura va forjando la identidad propia de otros proyectos y los referentes suelen coincidir para un fin semejante

El thriller ya no es el mismo género desde que surgieron las monumentales "Seven" y "Zodiac" de David Fincher. "Arde Mississippi" de Alan Parker ha calado cuando de atmósferas asfixiantes y sureñas se trata. En "Conspiración de Silencio", John Sturges dejaba a Spencer Tracy abandonado en mitad de un pueblo lleno con rencores o "Memories of Murder" de Bong Joon-ho elaboraba una investigación en pleno y enrarecido cambio social. Dos títulos, estos últimos, sobre los que Alberto Rodríguez ha confesado su influencia en "La isla mínima".
Al tiempo, "True Detective" se nutre de algunas de las citadas obras o de, por qué no, otras series más recientes como "Hannibal" o "Top of the lake" y/o relatos criminales de la America más profunda como "Ed Gein".
Detalles, elementos, situaciones de todas ellas que están presentes en "La isla mínima" y también "True Detective". Lo cual demuestra, que hay sobrado talento a ambos lados del Atlántico.

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